CINE CLUBS // ENTER THE VOID (2009)

ENTER THE VOID, Gaspar Noé (2009).

Incuba tu sueño, tu pasión y tu ímpetu el tiempo suficiente hasta que tu organismo esté listo para defecarlo, vomitarlo y orinarlo por todo el recinto y seguramente surgirá un trabajo encabronadamente intenso… la consecuencia para Gaspar Noé fue su reciente cinta Enter the void.

La cinta es mejor apreciada como una ostentosa masturbación técnica y una saturación estilizada que resulta bastante efectiva. Te exige una entrega total que, si lograda, llega a ser una experiencia cautivante, pero si no, corre el riesgo de convertirse en una fricción incomoda.

Como es el caso con la mayoría de proyectos con un alcance altamente ambicioso y un portentoso calibre creativo existen secciones durante la proyección, debido a su duración un poco prolongada, donde la audiencia puede perder ligeramente el interés solo para recobrarlo después de una cachetada en la cara o, como es en este caso, un gigantesco pene en primerísimo plano asechando al espectador.

Siendo la cinta un viaje estilizado-locochón tiene su parte justa de alusiones meditativas. Atrévome a decir, que si Tarkovsky, o cualquiera de los ahora abundantes cineastas de cine contemplativo, hubiera decido realizar un filme safado-alucinógeno-contemplativo seria muy similar a Enter the void.

Esta cinta es el Inland Empire (Lynch, 2006) y Synecdoche, New York (Kaufman, 2008) de Gaspar Noé, su ambicioso proyecto que lo torturaba de noche. Seas o no un fan del alborotador director Franco-Argentino uno no puede negar su intensa y provocadora creatividad que resulta suficiente para ponerlo en el mapa.

El filme es un acto sexual prolongado (figurativo y literalmente) con escasos orgasmos, pero el sexo siempre será sexo y queremos que dure.

La cinta debe verse en su debida sala de cine, pero con seguridad nunca llegará a las salas comerciales de Monterrey, por eso no debe perderse la oportunidad de ver la proyección con los amigos del Cine Club Gargantúa este martes 1º de Febrero a las 8:30… mas información aquí.

Basta echarle un ojo a los créditos iniciales para saber que esperar del resto… apague las luces, suba el volumen, amplíe a pantalla completa y pique play.

52 MUESTRA DE CINE // LIFE DURING WARTIME (2009)

Life during wartime, la mas reciente cinta del retraído Todd Solondz, es la “secuela” de su desgarrador éxito Happiness (1998), que por tal amerita el seguimiento de sus personajes disfuncionales. En esta, también hace presente su ya característico humor negro y ácido.

Life… encuentra  a los inolvidables personajes de Happiness (ahora interpretados por actores diferentes) una década después, otra vez, batallando por encontrar amor, perdón u olvido, y significado.

La crítica al parecer llegó a un consenso en donde la cinta es considerada una decepción… si bien es cierto, la cinta es una versión pálida de Happiness pero para nada deja de ser una cinta atractiva… la pudiera comparar con aquellos saladitos que no son tan agradables al paladar pero uno se atraganta de ellos. Es una inteligente mezcla de humor negro con un pathos efectivo, uno no sabe si reírse, sentirse mal, o ambas dos.

Un sello muy común de Solondz y lo cual lo separa de la mayoría de los directores de la actualidad es el no andarse con fregaderas y afrontar la vida y relaciones con una honestidad desgarradora… me podrán tachar de cursi pero la escena durante una conversación en donde del punto de vista del hombre vemos la cara de la mujer y al fondo unos tulipanes fuera de foco, en eso el efecto se reversa y se enfoca las flores y el rostro queda fuera de foco seguido de la voz del hombre diciendo “pareces tulipán”… oooohhh un truco sencillo pero que en su momento es efectivo. 

Life during wartime se exhibe hoy a las 16:00, 18:30 y 21:00 en la Cineteca Nuevo León.

52 MUESTRA DE CINE // SUBMARINO (2010)

Thomas Vinterberg (co-fundador del benéfico movimiento Dogma 95, el cual se rige de 10 reglas, que raramente se cumplen inclusive por sus iniciadores) mejor conocido y múltiplemente galardonado por su chingonométrica cinta Festen (La Celebración, 1998… película recomendada en este blog por Svidri hace dos semanas), ha estado dando la vuelta por el circuito de festivales con su mas reciente filme, Submarino. Pienso yo, estos festivales incluyen esta cinta en su programación debido solamente al nombre que trae detrás y no a la calidad y originalidad del trabajo.

La cinta trata la historia de dos hermanos cuya niñez no fue del todo óptima (alcoholismo, abuso, tragedia) para encontrarse 20 años después cada quien con su camino, tampoco optimo, ya recorrido.

Es una cinta de realismo social que hace alarde de la miseria de sus personajes, culpando (o justificando) la falta de figuras paternas autoritativas (la madre alcohólica, graduada de la escuela de actuación etílica de la Guayaba y la Tostada), que después de sus prometedores 5 minutos iniciales es llevada a un extremo que cae en el cliché y resulta tan predecible como las tramas del Chavo del 8 (hasta con un humor involuntario).

La cinta oscila entre elementos narrativos que parecen anclados en las realidades emocionales de sus personajes y aquellos que resultan innecesariamente depresivos (la mayoría). Como diría Joaquín Sabina, a estos hermanos les llueve sobre mojado, igual que a la guaperrima Precious en Precious (Lee Daniels, 2009), por lo menos la cinta de Daniels es parcialmente rescatada, en los últimos 10 minutos, por una actuación magistral por parte de Mo’Nique... y aunque la critica ha elogiado a Jakob Cedergren por su “gran actuación” en Submarino, yo solo digo que: Señores, no hay que confundir presencia con talento histriónico.

Una preferible alternativa al “realismo social” tratado en Submarino, seria fijarnos en la historia del cine del Reino Unido que lleva ya por más de 40 años utilizando este estilo iniciado por Saturday Night and Sunday Morning (Karel Reisz, 1960) y permanece, en la actualidad, siendo el templete para gran parte del cine Británico… como ejemplo contemporáneo de este realismo social seria la superior cinta de Andrea Arnold Fish Tank (2009) (Arnold ha sido hasta comparada con Ken Loach). Y si se trata de demostrar las trágicas consecuencias de actos estupidos e inmaduros que al parecer debe cometer todo personaje adulto que crece en un entorno marginado, hay que ver la ejemplar  y  mas realista trilogía del también Danés (vaya coincidencia) Nicolas Winding Refn PUSHER (1996, 2004, 2005).

Por el lado positivo, la narrativa se desarrolla con cambios temporales muy sutiles que nunca pretenden ser el centro de atención (en contraste a la narrativa Tarantinesca) pero tampoco aportan nada espectacular. Las actuaciones (exceptuando a la ya mencionada madre alcohólica) son mas que pasables y muestran un control emotivo que resulta creíble, en particular la del hermano menor (Peter Plaugborg) el cual no posee una presencia tan fuerte como Cedergren pero es emotivamente mas verosímil.

Eso sí, los concluyentes 15 minutos, aunque son por demás obvios, acepto, se logra un pathos el cual posiblemente engañe al espectador.

Posiblemente, como un cyberamigo dice por ahí, vi la cinta en mis 5 minutos de crítico feroz.

Submarino se exhibe hoy a las 16:00, 18:30 y 21:00  en la Cineteca Nuevo León.

52 MUESTRA DE CINE // ANTICRISTO (2009)

En el 2009, en pleno apogeo del Festival du Nouveau Cinéma, tuve la oportunidad de ver Anticristo (Lars von Trier, 2009) en una sala abarrotada hasta el cepillo de morbosos (inclúyome) y con una fila de unas 50 personas esperando afuera pa’ ver si les daban chance de entrar… Lars von Trier (el provocador por naturaleza) cumplió su único objetivo con su cinta mas reciente.

El director Danés Lars von Trier, autonombrado “el mejor director de la actualidad”,  mejor conocido como “el provocador” y considerado uno de los artistas mas controversiales del cine contemporáneo, ha causado (otravez), con su mas reciente filme, una dicotomía entre furor y admiración… nada extraño en él, la mayoría de sus cintas polarizan a la audiencia, pero Anticristo lo logró al extremo.

Von Trier ha explicado que la cinta fue el resultado de un periodo prolongado de depresión. “Utilicé este proyecto para salir de mi cama (todos los días)”. Debido, supuestamente, a su estado critico-depresivo decidió, en lugar de operar el mismo la cámara, entregársela al cinematógrafo Anthony Dod Mantle el cual haciendo uso de técnicas empleadas la década pasada por el director ruso Aleksandr Sokurov y una camara Phantom (cámara lenta extrema) le dio a Anticristo un toque etéreo para dejar por un lado su ya característico estilo de cámara en mano, así como las, austeras pero efectivas, reglas de su manifiesto DOGMA 95 (del cual soy incondicionalmente partidario).

Anticristo (Lars von Trier, 2009)

No puede haber mejor propaganda que recibir un “antipremio” por parte del Jurado Ecuménico del Festival de Cannes, el cual declaró que Anticristo “sugiere que la mujer debe ser quemada en la hoguera para salvar al mundo y para que el hombre pueda ponerse en pie finalmente”. Este Jurado, encargado de galardonar cintas por sus cualidades humanas que atañen a la dimensión espiritual de la existencia, consideró Anticristo como la película más misógina. Esta declaración, un poco babosa, fue después expuesta como ridícula por el mismo delegado general del Festival… sea lo que sea levantó la mirada de todo cinéfilo.

Una pareja (Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg), por estar dándole duro en el catre, descuida a su hijo, el cual cae de una ventana y pierde la vida. La madre trastornada por la culpa cae en estado severo de crisis emocional; su esposo (psicoterapeuta) decide llevarla a confrontar sus temores al bosque que ella tanto teme para solo encontrar terror y violencia en la naturaleza como en ellos mismos.

Esta vez von Trier adopta un género y estilo completamente nuevo para él en donde combina fantasías religiosas y horror psicológico. El problema que yo encontré con la cinta es la ausencia de un drama creíble. Se basa principalmente en la forma (es visualmente bella), tal es su afán de retener su titulo de provocador que recurre a acciones absurdas e inmaduras, pero más importante, fuera de contexto y gratuitas…. se respalda en breves pero explícitos actos de psicosis como una masturbación hemática, tortura y mutilación gonádica, aullidos amedrentadores… su intención nunca fue la de explorar los sentimientos tras la perdida de un hijo sino la de experimentar una dolorosa crisis de angustia. El problema no resulta ser las escenas gratuitas y escandalosas (eso es lo de menos), el problema es el vacío temático y dramático en su totalidad.

Si la cinta no llega ser de su agrado lo será la discusión al final y ver las caras del publico alrededor pensando “que pedo con este cabrón?”… punto para von Trier.

Anticristo se exhibe hoy martes y mañana miércoles a las 16:00, 18:30 y 21:00 en la Cineteca Nuevo León.

52 MUESTRA DE CINE // COPIE CONFORME (2010)

Cada vez que el director Iraní Abbas Kiarostami (maestro de maestros) exhibe un nuevo filme resulta ser un evento internacional y cultural de mayor importancia. Kiarostami se encuentra indudablemente entre los directores (aun vivos y chambiando) cuyo trabajo sigue descubriendo nuevas formas sobre el lenguaje cinematográfico con resultados que te dejan literalmente con la boca abierta. En Irán (una sociedad que considera al cine un arte tan relevante como la poesía, literatura y pintura) pertenece a la generación de cineastas creadores de la “Nueva Ola”, este fue un movimiento cinematográfico que comenzó en los 60s, su primer cortometraje The Bread and alley (1970) puede verse aquí. Pero no fue hasta después de la Revolución (1979) cuando Kiarostami se dio a conocer por estas partes del mundo. En la década de los 90s dirigió por lo menos 3 cintas que lograron dejar una huella indeleble, y es, sin duda alguna, un favorito de los autores de este blog.

                                        

Copie Conforme (Abbas Kiarostami, 2010)

Después de 30 años escribiendo, dirigiendo, editado y produciendo películas en su país de origen (Irán) el señor Kiarostami decide irse al extranjero (Italia) a realizar su más reciente cinta Copie Conforme. Esta decisión me mantuvo en un cierto grado de escepticismo ya que yo encuentro que gran parte de su intrigante y peculiar forma fílmica depende de esa cultura tan ajena, diferente e interesante… antes se respaldaba de la hermosa inocencia, sencillez y naturalidad que solo se puede encontrar en sus actores no profesionales para ahora desarrollar un producto perfectamente delineado con actores blanquitos, bonitos, bien educados y conocidos, restándole así su sello característico para brincar a explorar nuevos horizontes.

Mi incertidumbre no fue del todo infundada, me vino a la mente el caso del director Krzysztof Kieslowski que salió de su original Polonia, donde realizó trabajos tan impresionantes y contundentes  como la serie de Decálogo (1989-90), para después salir a Francia y realizar una trilogía demasiado colorida. En mi opinión, este autoexilio resultó en trabajos, si bien de mejor valor de producción y críticamente aclamados, un poco o mucho más artificiales.

Un hombre y una mujer se conocen en la Toscana Italiana, manejan, caminan, comen y conversan y su relación da un giro precoz, tratando temas como el matrimonio, la felicidad, el amor y el arte. Lo que me resultó interesante fue el escuchar a Kiarostami expresarse libre y desinteresadamente (a través de sus actores)… “There is nothing very simple about being simple”, probablemente en referencia a aquellos que tachan su trabajo de sencillo y sin-chiste.

No faltó inmediatamente las semejanzas atribuidas con Before Sunrise (Richard Linklater, 1995), aunque a mi en lo personal me pareció mas a My Dinner with Andre (Louise Malle, 1981) dando Kiarostami su punto de vista muy personal sobre diversos tópicos.

En Copie Conforme se presta mucho de sus ya característicos y realistas diálogos madre-hijo (Ten, 2002), usar la cámara como espejo (The wind will carry us, 1999), y secuencias en interior de carros (Life and Nothing More…, (1992); Taste of Cherry, 1997; mas bien un signo característico de la mayor parte de su filmografía) que en este caso presenta una conversación donde los personajes en dialogo se funden curiosamente con el reflejo del paisaje en el parabrisas que hasta parece un truco de superimposición visual.

Como en varias de sus previas cintas los personajes mas viejitos y de mas experiencia aparecen breve y esporádicamente pero constituyen un pilar fundamental con sus sabias y sencillas acotaciones (quien más puede aconsejar sobre la vida si no aquel que ha vivido más?).

Copie Conforme no es una revelación ni trasciende ningún género, pero lo que si logra ser, es una reafirmación y recordatorio de que esos estupidos altercados y diferencias en las relaciones nadie es inmune… y que el hombre y la mujer, contrario a como se nos ha hecho pensar, no somos el uno para el otro… pero pues todo aquel con un desarrollo social normal y que cuente con compadres en las mismas pues ya estaba enterado.

Si mi opinión aquí expresada pudiera dar la impresión que la cinta no me complació fue entonces mi error… sí, la cinta no está entre lo mejor de Kiarostami, pero es un filme superior a muchos con trama similar. La cinta es un muy claro, bien pensado y desarrollado ejemplo de relaciones pero nos quedamos solo en eso, añorando que el maestro Kiarostami regrese a su patria a seguir deleitándonos.

Copie Conforme se exhibe hoy domingo a las 16:00, 18:30 y 21:00 en la Cineteca Nuevo León.

VIDEODROMO PRESENTA // HOUSE (1977)

House (Nobuhiko Obayashi, 1977).

Videodromo en su descripción de House, la película que se proyectó hoy jueves 13 de enero, comenta que es muy común que les pregunten sobre su sección de "cine de culto". ¿Qué es cine de culto? les preguntan; y contestan re-bien:

- No existe una sola respuesta, mejor un ejemplo: House de Nobuhiko Obayashi.

Recurriendo a Wikipedia/película de culto:

- Hace referencia a un género de cine, que como tal no existe.

Sería muy difícil y tal vez imposible encontrar un buen significado a cine de culto, pero todos estamos de acuerdo en que son películas que en su mayoría, no son bien recibidas cuando se estrenan y poco a poco van ganando seguidores. Y sí, House... ¡es una película de culto!

Un grupo de 7 estudiantes, tras ver arruinado su plan de vacaciones deciden, ir a casa de la tía de una de ellas. Después de llegar a esta residencia y ser recibidas por la tía, comienzan a suceder acontecimientos paranormales y las jóvenes son devoradas por la casa. Terror, ciencia ficción, comedia, horror y efectos especiales burdos hacen de esta cinta todo un delirio.

Sólo pude congeniar con algunas escenas de la película (una cabeza decapitada mordiendo el trasero de una chica, un piano devorándose a otra chica), por lo demás, no alcancé a conectar con el viaje de la cinta, como sí lo he hecho con otras películas por el estilo.

House, una buena selección proyectada en la sala videodromo. Película de culto, que a unos deleita, y a otros simplemente... pos nomás no.

VIDEODROMO PROYECTA // THE KING OF COMEDY (1983)

The king of comedy (Martin Scorsese, 1983).

No debemos dejarnos llevar por el título de esta cinta ("El rey de la comedia"). No es una película de comedia tradicional, inclusive se puede decir que no puede ser catalogada como comedia. Estamos frente a una película del señor Scorsese poco recordada y poco valorada, al igual que la actuación de Robert De Niro.

Esta obra es una sátira social de como las personas idolatran a un famoso, y a su vez, como intentan incansablemente conseguir algunos minutos de fama sin importar las consecuencias. Rupert Pupkin (De Niro) es un fan obsesionado de Jerry Langford (Jerry Lewis) -el conductor del talk show más famoso del país-. Durante el filme, somos testigos de como Pupkin gasta casi todo su tiempo en buscar a Langford entrometiéndose en su vida personal, para que éste escuche su rutina de stand-up comedy y le de la oportunidad de su vida en el programa. Su obsesión la podemos resumir con una frase que dice en su presentación: "better to be king for a night, than schmuck for a lifetime."

Scorsese se adelantó a lo que pasaría mas tarde. Aun que ya en los 80`s se vivía el acoso a las celebridades (Rock stars, actores, etc), hoy en día se ha intensificado más de lo que se imaginaba. Aprovecho para citar a Mario Vargas Llosa en su ensayo "La civilización del espectáculo": Tampoco es casual que, así como en el pasado los políticos en campaña querían fotografiarse y aparecer del brazo de eminentes científicos y dramaturgos, hoy busquen la adhesión y el patrocinio de los cantantes de rock y de los actores de cine.

Una película no muy bien aceptada por la crítica en su tiempo, que poco a poco ha ido consiguiendo seguidores. No perdamos la oportunidad de ver esta película, con una brillante actuación de De Niro que en ocasiones es difícil de contemplar la actuación tan real de lo patético del personaje.

Se exhibe mañana miércoles 12, a las 8:30 p.m. en la sala videodromo.

52 MUESTRA DE CINE // MANOEL DE OLIVEIRA

Este chamacón nació en Portugal en 1908. El año pasado (2010) dirigió su más reciente cinta El Extraño Caso de Angélica, así es, a los escasos 101 años de edad. Esto lo convierte (desde el 2001) en el director más viejo actualmente activo. Su currículo cuenta con más de 50 títulos (entre corto, largometrajes, documentales y mini-series) caracterizados mayormente por su estilo teatral y una preocupada  reflexión sobre el arte y la esencia del ser humano.

El Extraño Caso de Angélica, Manoel de Oliveira (2010)

Manoelito concibió esta romántica y espiritual historia cuando era un jovenazo de 40 años pero se tomo su tiempo para llevarla a la pantalla a la edad de 101… muchos opinan que la espera bien valió la pena.

La trama es sencilla y puede parecer un poco melosa. Al tomar el retrato de Angélica, una joven y bella difunta, el fotógrafo se percata que esta abre los ojos y le sonríe, pronto el joven fotógrafo es visitado por su fantasma (en varias ocasiones), y para hacer el cuento corto, este se enamora de la difuntita.

Recuerden que este director ha visto más de 100 primaveras, y es obvio que las varias apariciones y viajes espirituales se hayan efectuado voluntariamente con efectos especiales que –para los estándares sobre-estilizados y artificiales de hoy- parezcan anticuados y hasta ridículos. Esto, aunado al estilo teatral y el escaso movimiento de cámara podrían alejar al impaciente espectador, más no a aquel que disfrute de una bella historia fotografiada con aun más bella cinematografía.

La secuencia final de este ensayo sobre espiritualidad ha sido considerada, por un crítico, como una de las visiones más exhilarantes sobre el dulce acogimiento de  la muerte. Otros afirman que la cinta ha sido críticamente alabada debido a la longevidad y trayectoria de su director… sea usted el que juzgue.

En caso de no ser conquistado por Angélica, dese el regalo de ver su previo filme Excentricidades de una joven rubia (2009), un film moralísticamente sencillo que por alguna razón lo sentí como L’argent (Bresson, 1983) no sé si por su pacing, podría ser su estructura pero seguramente por el feeling.

La cinta se exhibe hoy viernes a las 16:00, 18:30 y 21:00 en la Cineteca. 

VIDEODROMO PROYECTA // THE RED SHOES (1948)

The Red Shoes, (Michael Powell y Emeric Pressburger, 1948)

Este indiscutible clásico del cine cuyas hermosas secuencias de baile han influenciado otros trabajos como Singin’  in the rain y An American in Paris relata las desventuras de una pálida y pelirroja joven entregada totalmente al ballet (Moira Shearer), a la cual su agente/productor (Anton Walbrook) le ha prometido convertirla en la mejor bailarina de la historia pero con la sola condición de que jamás podrá enamorarse… se ve atormentada al tener que decidir entre el amor o el arte, esto desarrollándose tal cual un trágico cuento de hadas.

Esta obra fue traída a nosotros hace ya más de 50 años por el más grande dúo cinematográfico de Europa, la mancuerna de Powell y Pressburger, los cuales han creado, juntos, varios de los filmes británicos más sublimes en la historia del cine.

Esta película sobre flacuchas dando brincos de ballet, con una protagonista que ni en su casa la conocían (Moira Shearer era una bailarina sin experiencia en el cine), con un presupuesto de miedo y una secuencia de ballet de más de 10 minutos de duración era promesa de un rotundo fracaso…lo cual resulto cierto al ser estrenada en Gran Bretaña. La sorpresa vino cuando esta cinta fue exhibida al otro lado del Atlántico donde fue recibida con gran entusiasmo por el público, tal fue la algarabía que al siguiente día de estrenarse manadas de escuinclas (y uno que otro rarito) corrieron a apuntarse a clases de ballet.  

No podría ser de otro modo cuando la edición de la película fue nada menos que asombrosa (para aquellas épocas), desde los puntos de vista subjetivos mientras la protagonista baila hasta la impresionante y prolongada secuencia de ballet, en la cual imponen las sobreimposiciones y todo tipo de trucos visuales… hasta resulta difícil definir donde termina el teatro y donde comienza el cine.

Algo que se me quedo muy grabado (y hace ya tiempo que la ví) fue la excelente actuación y el interesante personaje del “malvado” productor (Anton Walbrook), interpretando ambiguamente a un individuo canijo y sin corazón pero de una forma, en veces, conmovedora (hasta tintes homosexuales se le han atribuido).

Cintas recientes como la ahora muy de moda, superestilizada y jalada de los pelos Cisne Negro (Aronofsky, 2010) hace que The Red Shoes intensifique nuestros sentimientos de nostalgia por aquellas épocas cuando el cine podía ser un puro y bello entretenimiento.

Como los amigos de Videodromo acertadamente mencionan: “The Red Shoes es un milagro filmado en Technicolor que valdría la pena ver una y otra vez aunque sólo fuera para presenciar la secuencia inolvidable y mágica de la primera presentación del ballet.”

Ya que esta cinta fue filmada en Technicolor -resaltando maravillosamente las secuencias coloridas- lo ideal sería verse en una copia de 35 mm en la pantalla gigante (muy difícil de encontrarse algún día en Monterrey) por lo cual no se debe perder la oportunidad de ver la versión del Criterion Collection en videoproyección en una pantalla grande.

The Red Shoes se exhibe hoy jueves 6 a las 8:30 en la sala videodromo, la ubicacion se puede encontrar aquí.

VIDEODROMO PROYECTA // DEATH PROOF y AFTER HOURS

En nuestra opinión, el videoclub que cuenta con el catalogo más selecto con respecto a cine en Monterrey es VIDEODROMO, además de también contar con una cómoda y acondicionada sala de proyecciones (sala videodromo) donde regularmente se exhiben cintas (a las 8:30) de diferentes géneros y resulta ser un espacio con gran potencial para disfrutar del buen cine acompañado de cinéfilos con similares intereses.

Ya se puede encontrar publicado aquí (en su página web) el programa de esta semana.

Ahora se exhibirá la cinta Death proof de Tarantino, la cual fue originalmente presentada en las salas como un programa doble junto con Planet terror de Robert Rodríguez bajo el mismo nombre de Grindhouse, la cinta es un paseo automovilístico -tan sexy como inquietante- repleto de adrenalina, aunque si se me preguntan yo disfruté mas la cinta de Rodríguez.

Mañana se presentará la cinta poco conocida de Scorsese After Hours. Altamente recomendada para todo fan hardcore o cinéfilo “completista”. Se ha mencionado ser una versión Neoyorkina de Ulises o de Alicia en el país de las Maravillas… en los tiempos en que Scorsese todavía se ganaba el clamor de la prensa crítica.

Estas películas se exhibirán ahora y mañana a las 8:30 y la ubicación  de VIDEODROMO se puede encontrar aquí.

52 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE - "LOS OLVIDADOS"

Monterrey, recibe el año con el pie derecho. Durante enero y febrero se proyectará la 52 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE. Del día 04 de enero hasta el 18 de febrero tendremos el privilegio -todas las tardes con horarios accesibles (16:00, 18:30 y 21:00)- de asistir a excelentes y no tan excelentes proyecciones. Esta MUESTRA, se expuso exitosamente en la Cineteca Nacional de la Ciudad de México el pasado noviembre, ahora se limpia los pies en nuestro tapete para deleitar a nuestras regias y cinéfilas pupilas.

Aprovechando el 60 aniversario de Los Olvidados de Luis Buñuel, se eligió esta cinta como la proyección que dará apertura a tan singular evento, que ningún cinéfilo regiomontano debe pasar por alto. No pudo ser un filme más atinado: la proyección de una copia restaurada, incluyendo final alterno y con galardones como el Premio al mejor director en Cannes (1951) y Memoria del Mundo por la UNESCO (2003) entre sus credenciales.

Los Olvidados, Luis Buñuel (1950).
Poco o nada se puede añadir a tantas líneas que se han dedicado a la cinta Los Olvidados desde su controversial proyección en las salas Mexicanas a finales del año 50.
Luis Buñuel en México, después de un sublime fracaso (Gran Casino, 1947), un excelso y mediano éxito (El gran calavera, 1949), su glorioso casi retiro del cine, y tres años viviendo del dinero de su madre... Le regaló al país una de sus más grandes obras. Pocos días de exhibición le bastó a la sociedad mexicana de aquellos tiempos - incluyendo a grandes del cine (Jorge Negrete)- agradecérselo, retirando la cinta de cartelera. Tras el gran premio al mejor director en Cannes y el incondicional apoyo de Octavio Paz vuelve, a salas mexicanas un año después.
En este periodo mexicano (por cierto el más prolífico), Don Luis, dejó a un lado sus raíces surrealistas las cuales lo arrinconaron a salir de España para buscar libertad artística, sin embargo imprimía, con bastante frecuencia, trazos de surrealismo como la inolvidable secuencia onírica en Los Olvidados. Resulta imposible no mencionar las similitudes con cintas del breve movimiento Neorrealista, en boga en Italia, a finales de la segunda Gran Guerra… en mi parecer las cintas Los Olvidados a la par con Shoeshine (De Sica, 1946) y Los 400 golpes (Truffaut, 1959) representan real y trágicamente las consecuencias de la ausencia paternal tanto como figura autoritaria como orientadora y sus trágicos resultados.
Hoy en día México se lo sigue agradeciendo en la 52 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE, con 8 copias a nivel nacional. Una cinta realista con un claro contenido social que plasma lo acontecido (aun en estos días) en las grandes ciudades del mundo -incluyendo por supuesto: México-; orfandad, pobreza extrema, crueldad y lo más doloroso: la falta de solución.

No podemos desaprovechar la oportunidad que nos regala esta 52 MUESTRA: ver proyectado en 35 mm en una sala de cine, lo que Monterrey nos tiene acostumbrados a ver en DVD en la comodidad del hogar. Los Olvidados se exhibe el martes 4 y miércoles 5 de enero de este nuevo año 2011 en la cineteca de Nuevo León (Monterrey), la programación completa se puede encontrar aquí.