El pasado martes 24 de mayo en el Cineclub de la Casa de la Cultura Nuevo León con motivo del Ciclo: "El universo del neowestern" se proyectó Unforgiven, un filme de género Western ganador en los premios Oscar, BAFTA y Golden Globes. Se encuentra en famosas listas de películas: #97 en el Top 250 de IMDB, #98 en la lista de las mejores películas americanas del AFI y #4 en el top 10 westerns del AFI. Narra la historia de William Munny (Clint Eastwood), un asesino retirado que vive en su granja en decadencia con sus 2 hijos. Después de 11 años reformado sin tomar ni matar por una promesa hecha a su esposa fallecida a causa de la viruela, es invitado de nuevo a tomar pistolas e ir a asesinar por dinero. Después de ver las malas condiciones de su granja, es convencido y junto con Ned Logan (Morgan Freeman) y un pistolero novato se lanza a realizar la hazaña.
En esta película, Clint Eastwood hace un homenaje al género western de sus maestros Don Siegel y Sergio Leone. A diferencia de éstos que mitificaban al héroe western asesino, en esta cinta Eastwood lo vulgariza. Interpretado por él mismo, William Munny es un sanguinario asesino regenerado, que después de mucho tiempo de abstinencia de alcohol y muerte, recae en sus vicios y arrepentido carga con su pasado asesino. Eastwood expone el antagonismo moral de sus personajes pero en ocasiones nos perdemos en el entremezclado de actores. Aparece "English Bob" en el pueblo, lo observamos como una clara competencia homicida de Will, pero así como llegó desaparece. Posteriormente la lucha entre Will y el sheriff "Little Bill Daggett" toma protagonismo y caemos en la pelea del "bien" y el "mal", al término, cada quien a su manera exhibió la ineficacia de la violencia que solo genera más violencia. Una grata experiencia ver esta película de los noventas como homenaje del antiguo género y despedida de Clint Eastwood del género western.
Terminamos con los hermanos Quay, y no podía ser con otro cortometraje que no fuera "Street of crocodiles", la obra más conocida y más aclamada de la larga filmografía de este inimitable par de hermanos. Terry Gilliam posicionó a este cortometraje de los Quay en su lista de los 10 mejores cortos animados de la historia.
"Street of crocodiles" está basado en "The street of crocodiles", un cuento escrito por el polaco Bruno Schulz. No es una adaptación fiel de la historia del escritor polaco, más bien, es una fuente de inspiración. En él los hermanos Quay exponen al máximo las cualidades cinematográficas que han desarrollado durante su carrera: originales ángulos creativos; movimientos minuciosos de la cámara; inequívoca música de fondo; y una acertada narrativa no lineal. Con todo esto, nos sumergimos en un viaje hipnótico dentro del mundo onírico de los autores rodeado de marionetas y tornillos danzantes, en donde lo único que tenemos que hacer es despreocuparnos de todo y dejarnos cautivar por las imágenes y la ficción de los Quay.
Tres secuencias de un proyecto para la BBC que nunca fue difundido. Un calígrafo crea su bolígrafo a partir de plumas de ave que toman vida.
Rehearsals for extinct anatomies (1987).
Dir. Hermanos Quay. // Dur. 14 min.
Una de las obras más singulares de este extravagante par de hermanos. Un jugueteo onírico de líneas negras, contrastes y minuciosos movimientos de cámara.
The epic of Gilgamesh (1985). Dir. Hermanos Quay. // Dur. 11 min. Cortometraje basado en la leyenda de Gilgamesh -angituo rey de Uruk- donde el protagonista envía una prostituta a su único enemigo para tratar de así deshacerse de él.
El miércoles pasado (11 de mayo) se proyectó "El Arca Rusa" en el Cineclub de Kúndul Cafetería. Cinta rusa del director Alexandr Sokúrov (Aleksandra, Madre e Hijo, Padre e Hijo) que se distingue por ser la primer película en HD sin comprimir.
Es casi una obligación empezar hablando de los aspectos técnicos. La película se filmó en una sola toma continua de poco más de 90 minutos dentro del "Museo del Hermitage" con una steadicam Sony HDW-F900 en las manos del director de fotografía Tilman Büttner, después de intentar realizar la toma en dos ocasiones y fracasar, "la tercera fue la vencida" y se rodaron los 96 minutos ininterrumpidos. Se necesitaron alrededor de 2,000 actores, 3 orquestas y 22 asistentes de dirección el 23 de diciembre del 2001, único día que el museo permaneció cerrado para el rodaje de la película.
Sergei Dreiden interpretando a el Marqués de Custine.
La película es narrada por el mismo Sokurov. Después de que la pantalla permanece negra algunos segundos, escuchamos su voz: "abro mis ojos y no veo nada". Desde ese momento el narrador comienza a caminar por 33 habitaciones del museo acompañado del Europeo (Marqués de Custine interpretado por Sergei Dreiden), en algunas ocasiones son imperceptibles y en otras interactúan con los personajes. Durante el filme somos testigos de 300 años de historia rusa y nos topamos con personajes de distintas épocas : Aleksandr Pushkin, Catalina II y Pedro el Grande. Al final entramos al Gran Salón donde se celebra un baile con cientos de elegantes personajes que bailan al ritmo de una gran orquesta sinfónica. Al finalizar, el narrador abandona el Museo entremezclado entre cientos de invitados que se retiran.
Las críticas de la cinta están divididas. Los que van en contra, argumentan que todo es un simple truco, y que si la película hubiera sido editada aún de la mejor manera, no nos cautivara en absoluto. En cierta parte tienen razón: es un truco. Probablemente si se hubiera editado la cinta de manera tradicional, estuviéramos frente a una narración de 300 años de historia rusa que solo captara la atención de aquel profundamente interesado en Rusia, pero el simple hecho de concebir la idea de una obra con las características de "El Arca Rusa", la hace una película atractiva para todo público y un ejemplo de como posicionar un filme dentro de la historia de la cinematografía mundial.
Lamento diferir con usted colega, entiendo su conmoción por la cinta pero no la comparto. Soy de los que opinan que El Arca Rusa vale la pena solamente por su osadía técnica, resultando vacía en todos los demás terrenos. Se realizó con el solo objetivo de quedar en la historia fílmica como la película de una sola toma (muy bien lograda por cierto).
Mis razones o puntos de vista:
* Los dos lados de la moneda en cuestión de edición: Una película estándar Hollywoodense tiene como promedio (aunque el rango varía mucho, pero para darnos una idea) entre 3,000 y 6,000 cortes. Cintas del Cine Contemplativo Contemporáneo (Tarr, Alonso, Hoong Sang-soo, etc) suelen variar (muy generalizadamente) entre 50 a 300 cortes por película. En El Arca Rusa solo existe un corte, cuando apagan la cámara al final de la película. Esos son huevos y una organización y sincronización encabronada. Pero, la edición o “montage”, desde los inicios del cine, ha tenido, aparte de un fin práctico también objetivos estéticos, psicológicos y teóricos. No nomás dejamos la cámara prendida por presumir.
* Pongo como ejemplo escenas de cintas de directores como Tarkovsky y Bela Tarr (consentidos de los autores de este blog). El tiempo y espacio en cuadro es utilizado con un fin y no como un capricho. En las dos escenas presentadas (Nostalghia, Tarkovsky, 1983 y Satantango, Bela Tarr, 1994) se tiene un respeto a la temporalidad para “crear” un estado en que se percibe el paso del tiempo (o como el director ruso bien decía, que el cine es “esculpir en el tiempo”).
(Nostalghia, Tarkovsky, 1983). El personaje trata de cruzar de un lado a otro de una pileta vacía, sin permitir que se apague una vela encendida que lleva cargando. La acción no es lo principal, sino la duración y continuidad de la escena (9 minutos sin cortes).
(Satantango, Bela Tarr, 1994). Inicio de la cinta Satantango, estableciendo una temporalidad que nos prepara para el resto de las siguientes 7 horas épicas que dura la película (escena de casi 8 minutos sin cortes).
* Muchos quedan impresionados con la extravagancia y opulencia de la época, los vestidos, bailables, pelucas, uniformes, cantidad de velas, flores, candelabros y detalles, y con justa razón. Pero queda solo en eso. Mejores representaciones existen, de hace décadas, que te dejan literalmente sin aliento, y mas si se tiene la suerte de vivir la experiencia en una sala de cine, inolvidable.
Monumental secuencia de waltz de la igual monumental y épica cinta Guerra y Paz (Bondarchuk, 1967) obviamente la versión rusa, simplemente no hay comparación.
La cinta Italiana con la mamarucha Claudia Cardinale en Il Gattopardo (Visconti, 1963) bailando un waltz de Verdi (inédito hasta ese momento), en un contexto perfecto y un final puramente abstracto para una cinta de época.
* La inteligencia publicitaria de “filmada en una sola toma” resultó efectivísima, ciertamente amerita sus aplausos por tal bravura (se necesitan huevos o creerte muy chingón), por saber manejar el medio. Pero, la cinta como trabajo completo no es más que un ensayo experimental.
* He escuchado que ver El Arca Rusa es como visitar personalmente el Museo Hermitage, mmmmm….. ver una película porno no es lo mismo que darle sus nalgaditas a Jenna Jameson en personar, o si?
Absolutamente debe ser vista (no la rechazo), de preferencia en una sala de cine, o en DVD (hasta en Blockbuster tienen copias de esta, así de fácil le fue a la casa productora y distribuidores venderla internacionalmente, algo no muy fácil para este tipo de “cine de arte”), o de plano apreciarla en mala calidad en YT.
El Trailer se ve exquisito:
La película completa no tanto:
Si has visto la cinta, deja tu comentario y tu punto de vista al respecto.
